100style - Arte e design

Roma: Genio futurista di Giacomo Balla

nospam@example.com (Fiamma) — Thu, 03 Dec 2009 15:14:38 +0100

Il Sindaco di Roma Gianni Alemano ed il Presidente di Biagiotti Group Laura Biagiotti offrono al grande pubblico la visione dell’opera di Giacomo Balla “Genio Futurista”, fondamentale opera dell’artista non esposta da più di trent’anni.

La monumentale opera (olio su tela d’arazzo, cm. 279×381, la più grande mai realizzata da Balla) è entrata recentemente a far parte della ricca collezione di opere di Giacomo Balla raccolte dalla stilista Laura Biagiotti, che nel 1996 ha dato vita insieme alle figlie di Gianni Cigna, alla Fondazione Biagiotti Cigna, in memoria del marito prematuramente scomparso, con la direzione scientifica di Fabio Benzi.

La Collezione è nata da una grande passione per l’arte e riunisce oltre duecento lavori dell’artista, di cui uno dei nuclei principali è costituito dagli studi realizzati da Balla per la moda e rappresenta il maggiore e più importante insieme sulle arti applicate futuriste che esista; l’intera collezione è stata presentata nel 1996 a Mosca nel Museo Puskin e nel 1998 a Roma presso il Chiostro del Bramante.

E’ certamente un’occasione importante, non soltanto perché il grande arazzo è sempre stato ritenuto unanimemente e in primo luogo dallo stesso Balla, l’opera cardine della sua presenza all’Esposizione di Parigi del 1925, presenza altamente simbolica per l’origine e gli sviluppi dell’art déco, ma anche perché consente al pubblico di avvicinarsi e riscoprire il fascino di una collezione emozionante e prestigiosa, costruita con pazienza e passione dalla famiglia Biagiotti Cigna.
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MINI Design Award 2009. I vincitori e la mostra a Milano

nospam@example.com (100style) — Wed, 11 Nov 2009 18:25:00 +0100

Promosso da MINI in collaborazione con l’Istituto Europeo di Design (IED) e con la partecipazione dell’Associazione per il Disegno Industriale (ADI), il MINI Design Award ha decretato i vincitori della quinta edizione del concorso dal titolo

“Il futuro della Città: l’ambiente. Aria nuova in città”.

La giuria presieduta da Andrea Castronovo, Presidente e Amministratore Delegato BMW Group Italia, e Gillo Dorfles, filosofo e critico d’arte, ha assegnato i seguenti premi:

1° premio ad Alessandra Rapaccini, per il progetto “City speed turbines”;
il 2° premio a Paola Schiattarella, Serena La Daga e Alessia Massimi, autrici di “BLOSSOM”;
il 3° premio ad Antigone Acconci e Riccardo Bastiani per “poliPALO”.

Due menzioni speciali sono state attribuite ai progetti “MINI-manta” di Alessandra Belia e Federico Bistolfi e “sub-e” di Livio Cucuzza.

Il premio sezione on-line è andato invece ad Elena Lana e Cecilia Crestale, autrici del progetto “RI-CITY”.

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Anniversario della caduta del muro di Berlino: Nessuno e' piu' dove voleva essere

nospam@example.com (Fiamma) — Mon, 09 Nov 2009 11:13:00 +0100

Non potevamo non dedicare anche noi un post in merito ad un evento storico così importante che ha cambiato la storia del mondo: la caduta del muro di Berlino.

Nessuno e' piu' dove voleva essere Niemand ist mehr dort, wo er hin wollte
In occasione del ventesimo anniversario della caduta del muro di Berlino il Goethe-Institut Mailand, l'Istituto Culturale tedesco con sede a Milano, e' ideatore e curatore della mostra di arte contemporanea -Nessuno e' piu' dove voleva essere / Niemand ist mehr dort, wo er hin wollte-.

L'esposizione si terrà a Milano, nella Galleria CCF presso il Palazzo delle Stelline in Corso Magenta 63, dal 9 al 27 novembre 2009.

Saranno 6 gli artisti tedeschi, che esporranno, per la prima volta in Italia, installazioni, videoproiezioni e fotografie che affrontano, da diversi punti di vista, il tema della riunificazione tedesca.

Fra gli artisti che partecipano alla collettiva, e' da segnalare la presenza di Marcel Odenbach, uno dei piu' importanti esponenti della video arte a livello internazionale.
La sua video installazione -Niemand ist mehr dort, wo er hin wollte- (Nessuno e' piu' dove voleva essere), da cui prende spunto anche il nome della mostra, ripropone un montaggio di immagini di propaganda storica e di riprese da lui stesso realizzate durante gli avvenimenti relativi alla caduta del Muro, suggerendo una riflessione sul significato e le conseguenze derivanti dall'unificazione della Germania.

Accanto all'installazione di Odenbach, anche altre opere mettono in discussione la questione dell'identità nazionale e dei suoi simboli.
A questo proposito, due opere presenti in mostra affrontano il tema dell'abbattimento del Palazzo della Repubblica (Palast der Republik). La demolizione dell'edificio, un tempo simbolo architettonico della RDT, e la ricostruzione, al suo posto, del vecchio castello del casato prussiano degli Hohenzollern, e' stata al centro di un lungo e acceso dibattito.
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Beauty Farm - La bellezza del corpo tra Idealizzazione e Ossessione

nospam@example.com (Fiamma) — Thu, 29 Oct 2009 15:12:48 +0100

Beauty Farm La bellezza del corpo tra Idealizzazione e Ossessione. Mostra collettiva

Con testo critico di Vera Agosti e un'intervista sulla bellezza a Vittorio Sgarbi Da ideale classico per eccellenza a simbolo di perfezione solo apparente e -superficiale- nell'odierna società dello spettacolo, la bellezza e' oggi insieme la metafora di uno status sociale e di una condizione esistenziale, una qualità ottenibile a suon di creme, lifting e palestra e un simbolo di perfezione interiore, un traguardo a portata di tutti o un sogno apparentemente irrealizzabile.

Da sempre inseguita dagli artisti nei secoli passati e oggi, spesso, disprezzata dagli artisti contemporanei per la carica di retorica un po'-vecchio stile- che rischia sempre di portarsi dietro, la Bellezza del corpo (femminile e maschile) appare oggi, nell'arte, come un oggetto assai difficilmente identificabile: desiderata o apertamente rifiutata, piegata a esigenze di denuncia sociale o mutilata, e poi ancora deformata, svelata nei suoi meccanismi di artificialità e di mascheramento della -vera- condizione fisica di chi pare ostentarla, la Bellezza oggi appare allo stesso tempo una condizione invidiabile e un testimone ingombrante che sembra pero' non volersi fare da parte rispetto ai -nuovi- miti della contemporaneità.
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A Pisa la mostra: Chagall e il Mediterraneo

nospam@example.com (Fiamma) — Fri, 09 Oct 2009 10:53:48 +0200

Chagall e il Mediterraneo - 150 opere, tra dipinti, sculture, ceramiche e litografie a cura di Claudia Beltramo Ceppi e Meret Meyer

Dal 9/10/09 al 17/1/10 a Palazzo Blu, la mostra presenterà 150 opere, tra dipinti, sculture, ceramiche e litografie, create dall'artista russo a partire dal 1926 quando, per la prima volta, incontro' la luce, i colori e il paesaggio del Mediterraneo e dei paesi che vi si affacciano, dalla Francia, alla Grecia, alla Terra Santa.

Marc Chagall, Printemps au pré (1954-1956) © by SIAE 2009

L'esposizione e' la prima di un ciclo triennale dedicato ai grandi maestri dell'arte del Novecento e al loro rapporto con le tradizioni, la luce e le culture del Mediterraneo e che, nel 2010, vedrà protagonista Joan Miró.
L'autunno pisano sarà illuminato dai colori caldi di Chagall.

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Moda e Made in Italy tra Arte e Design

nospam@example.com (Fiamma) — Sat, 03 Oct 2009 08:35:00 +0200

Moda e Made in Italy tra Arte e Design - La qualita' oltre al griffe.

Collettiva a cura di Elena Imberbi e Mario Barbero
La contaminazione tra le competenze tecniche dell'industria tessile, il saper fare proprio della sartoria artigianale e le arti visive ha permesso di scrivere, con riferimento alla prima metà del Novecento, le pagine piu' prestigiose della storia della moda.

Dal Fauvisme al Cubismo, dall'Art Nouveau al Futurismo, tutte le Avanguardie artistiche hanno ispirato profondamente la moda e attraverso di essa la società e i suoi costumi, segnando di fatto l'ingresso dell'Arte con la A maiuscola nella produzione tessile seriale.

Il rapporto tra l'Arte e il mondo della Moda nella sua totalità e' stato a volte solo provocatorio, ma molto piu' spesso esplicitamente orientato a contribuire al rinnovamento della società e dei comportamenti. Il connubio tra creatività artistica e produzione di tessuti, capi d'abbigliamento e accessori e' pero' andato indebolendosi con il passare del tempo, lasciando un vuoto che in parte e' stato occupato dalle competenze del moderno design.
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Tavole da skate, surf e snowboard "tatuate"

nospam@example.com (Fiamma) — Fri, 02 Oct 2009 12:11:02 +0200

Cinquanta, tra tavole da skate, surf e snowboard realizzate da El Rana e customizzate da 20 tra i piu' interessanti artisti della scena new pop italiana.

SHANTI DIVINA - Sisters

El Rana (a.k.a Simone D'Alessio) proviene dal mondo del tatuaggio, dove si e' fatto un nome di tutto rispetto fabbricando oggetti e monili di culto.
Il suo lavoro si sviluppa, dunque, in un ambito prevalentemente extra-artistico, come risultato di un mix equilibrato tra l'iconografia del tatuaggio e la tradizione artigianale dell'oreficeria.
Dopo una breve esperienza come tatuatore, El Rana inizia a realizzare oggetti in cui ricorrono iconografie di stampo religioso e massonico, che incontrano il favore del pubblico delle tattoo convention.

Quella di Simone El Rana per le immagini sacre e' una passione che lo porta a collezionare incisioni, stampe, cromoliti e manufatti legati alla pratica cultuale cristiana, oggetti contraddistinti da immagini bizzarre e grottesche.

Ad attirare l'attenzione dell'artista sono, in particolare, gli Ex voto, oggetti dal fascino indiscutibile che per lui assumono un significato personale, legato al proprio vissuto.
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Fondazione Zegna: i cani scultura

nospam@example.com (Fiamma) — Fri, 25 Sep 2009 11:35:55 +0200

I nostri colleghi di 100caniegatti e di 100bimbi saranno felici di questa originale e coinvolgente iniziativa d'arte e clutura promossa dalla Fondazione Zegna.

Il 19 settembre ha inaugurato con un’opera pubblica dell’artista italiano Alberto Garutti la seconda edizione del progetto di arte contemporanea ALL’APERTO.

Protagonisti d’eccezione i cani: Eva, Pulce, Sbadiglio, Lampo, Ferro, Sissi e Otto, Luna e altri, i cani presenti nelle diverse frazioni, scelti, descritti e disegnati dai bambini.
Si è così avviato un meccanismo spontaneo di partecipazione, grazie al quale Garutti ha potuto incontrare e coinvolgere molti abitanti del posto, dai famigliari degli alunni ai possessori degli animali, alle autorità comunali, e sviluppare un’intensa relazione con i luoghi.

Il risultato finale è un’opera pubblica che può essere utilizzata (e "adottata") da tutti: una serie di panchine in cemento sulle quali siedono uno o due ritratti dal vero dei cani.

Su ciascuna, una didascalia esplicativa che funge sia da dedica, che da titolo: Il cane qui ritratto appartiene a una delle famiglie di Trivero. Quest’opera è dedicata a loro e alle persone che sedendosi qui ne parleranno.

ALL’APERTO è un'iniziativa della Fondazione Zegna, istituzione non profit che dal 2000 sostiene progetti in ambito culturale, sociale, medico e ambientale per comunità localizzate in varie parti del mondo.
Nata con l'intento di rendere sempre più fruibile l'accesso all'arte contemporanea e ai suoi valori.

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Milano: Moda tra le bambole- “Unconscious Beauty”

nospam@example.com (Fiamma) — Fri, 18 Sep 2009 08:32:00 +0200

Moda tra le bambole: mostra retrospettiva di Mauro Agnolini

Appuntamento a Milano, dal 23 settembre al 3 ottobre, presso “Can Can, Paris à Milan”, con la mostra “Unconscious Beauty” dedicata a Mauro Agnolini, il sarto delle bambole, dove la moda incontra le bambole.

In un itinerario di esemplari esclusivi che guideranno attraverso il costume d'epoca e l'alta moda.

Nel ‘700 i grandi sarti europei utilizzavano, come biglietto da visita del loro lavoro, delle bambole manichino vestite con creazioni all’ultima moda.

Gli abiti erano fedeli riproduzioni di quelli per le persone, realizzati in miniatura con dettagli precisi ed indossati su bambole non più grandi di 100 centimetri che venivano spedite alla possibile clientela.
Dopo aver visionato il corredo, la cliente decideva quale abito si sarebbe fatta confezionare a sua misura.
La tradizione per queste bambole si è mantenuta nel tempo, evolvendosi nel significato e nell'aspetto.

Le bambole manichino contemporanee sono internazionalmente definite “Fashion Doll”, bambole alla moda che, come i veri adulti, hanno un vasto guardaroba, ispirato al gusto attuale ma con il compito di educare l’infanzia allo stile, alla moda.

Il collezionismo di queste ultime è in auge da più di 30 anni. In ambito italiano, uno dei grandi rappresentanti di alta sartoria contemporanea per Fashion Doll è stato Mauro Agnolini.
La mostra sarà una piccola galleria delle sue opere ispirate al costume storico, partendo dalla moda del '500 all’Haute Couture del XX secolo dei grandi designer come Chanel, Dior, Balenciaga, Givenchy e omaggiando anche il grande Cinema.

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Grace Kelly in mostra a Roma

nospam@example.com (Fiamma) — Fri, 11 Sep 2009 16:39:36 +0200

GLI ANNI DI GRACE KELLY - Principessa di Monaco.

La Fondazione Memmo rende omaggio alla Principessa Grace di Monaco accogliendo la mostra presentata al Grimaldi Forum durante l'estate 2007, che ritraccia momenti ed aspetti diversi della vita di Grace Kelly.

Da star hollywoodiana a Principessa monegasca, l'itinerario di una donna meravigliosa, dal destino eccezionale.
La mostra, abilmente curata da Frédéric Mitterrand, dal 23 giugno 2009 Ministro della Cultura e della Comunicazione della Repubblica Francese, si propone di condurre il visitatore nel vivo dei ricordi degli «anni Grace Kelly, Principessa de Monaco».

Una mostra omaggio che sfoglia un album di immagini firmate dai più grandi nomi della fotografia (Howell Conant, Cecil Beaton, Irving Penn…), una mostra che svela la corrispondenza scambiata da Grace Kelly con i suoi amici di Hollywood e con i grandi del pianeta (Jacky Kennedy, Alfred Hitchcock, la Callas, Cary Grant…), una mostra che presenta degli oggetti personali, una parte del suo guardaroba (tra cui l'abito da sposa), dei gioielli e numerosi accessori di moda, come la celebre borsa Kelly firmata Hermès.

Il cinema, la sua prima vita, sarà largamente rappresentato.
Montaggio di sequenze dei suoi film più importanti, largo spazio dedicato al film di Alfred Hitchcock, La finestra sul cortile, ma anche estratti di film di famiglia girati da Grace Kelly stessa e che permettono di penetrare nell'intimità della sua vita quotidiana.
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Milano: Yousuf Karsh - Ritratti

nospam@example.com (Fiamma) — Mon, 07 Sep 2009 09:00:00 +0200

Yousuf Karsh - Ritratti. In occasione del centesimo anniversario dalla nascita di Yousuf Karsh la Galleria Carla Sozzani presenta fino al 10 Ottobre, una selezione di celebri ritratti che ripercorrono la sua lunga carriera di fotografo.

Nato a Madrin nella parte turca dell'Armenia, Yousuf Karsh cresce nell'orrore dei massacri che colpiscono il suo paese, come lui stesso scrive nella sua autobiografia -I miei ricordi di quell'epoca sono uno strano miscuglio di sangue e bellezza, di persecuzione e di pace-.

All'età di 17 anni si trasferisce a Sherbrooke in Canada dallo zio fotografo George Nakash e qui inizia ad appassionarsi alla fotografia.
Nel 1928 si sposta a Boston per seguire un corso di perfezionamento presso il fotografo e ritrattista John H. Garo; questo incontro sarà decisivo per Karsh: -Ho realizzato che i lunghi pomeriggi e le lunghe serate passate da Garo sono state la mia scuola. Ed e' proprio in uno di quei momenti che ho deciso che avrei fotografato gli uomini e le donne che segnano la storia del mondo-.

Dal 1932 vive ad Ottawa dove crea il suo studio fotografico e affascinato dalle molteplici possibilità offerte dalla luce artificiale frequenta l'ambiente dei teatri.

Dopo qualche ritratto ufficiale nel 1941 Yousuf Karsh realizza lo scatto della vita: strappa il famoso sigaro a Sir Winston Churchill immortalandolo con aria imbronciata.
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Jeff Koons: Popeye Series a Londra

nospam@example.com (Fiamma) — Mon, 24 Aug 2009 09:01:00 +0200

Jeff Koons: Popeye Series fino al 13 settembre 2009 la Serpentine Gallery di Londra presenta una mostra che celebra i lavori dell'artista americano Jeff Koons, con la prima grande personale in una galleria pubblica inglese.

Dai primi anni Ottanta Jeff Koons lavora su serie tematiche, esplorando i campi del consumismo, del gusto, della banalità, dell'infanzia e della sessualità. Noto per opere basate sull'infinita varietà di oggetti ed immagini dell'America, per questa occasione presenta il ciclo "Popeye" iniziato nel 2002, progetto nato dopo un periodo di ritiro.

Per la sua mostra alla Galleria, Koons presenta dipinti e sculture dal suo Popeye serie, che ha iniziato nel 2002.

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Sardegna: Vittorio Accornero Giardini di seta per Gucci

nospam@example.com (Fiamma) — Mon, 17 Aug 2009 10:05:00 +0200

I foulard disegnati per Gucci da Vittorio Accornero sono stati parte indispensabile del guardaroba delle donne eleganti negli anni Sessanta e Settanta.

Indossati da icone femminili cosi' diverse come Grace Kelly, Jacqueline Onassis e Monica Vitti, queste frivolezze squisite oggi sono oggetti ambiti e ricercati dai collezionisti, ma non solo: rappresentano anche un capitolo a se' nella storia di questo accessorio di moda.

La mostra presenta per la prima volta una ricca selezione dei circa 100 foulard realizzati dall'artista nel corso di un ventennio di collaborazione con la ditta fiorentina, dal 1960 al 1981. Vittorio Accornero de Testa, una delle firme di primo piano dell'illustrazione italiana del Novecento, viene chiamato a collaborare con Gucci nel 1960 da Rodolfo Gucci, figlio del capostipite dell'azienda.

Le prime serie di foulard da lui create si incentrano su temi legati al viaggio e all'equitazione (la Gucci nasceva nel 1922 come azienda di pelletterie, produttrice di articoli di valigeria e di selleria) come treni, tram, diligenze, carrozze, e su altri soggetti quali i pompieri e le bottiglie con velieri.
A segnare una svolta e', nel 1966, il celebre foulard Flora creato per Grace Kelly.
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Etruscomix - L'Etruria in fumetto

nospam@example.com (Fiamma) — Wed, 12 Aug 2009 16:26:08 +0200

Etruscomix L'Etruria in fumetto - Fino al 25 ottobre, il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia, propone al pubblico Etruscomix.

Sei fumettisti, coinvolti in un'autentica Residenza d'Artista, rievocano con le loro tavole inedite le bellezze di un territorio ricco di storia e suggestioni, l'Etruria.

I fumetti, con le loro storie, sono frutto della fantasia di giovani artisti e dialogano armoniosamente con i reperti archeologici del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia.

Manifesto simbolo della mostra (a destra) e' la tavola realizzata dal grande Milo Manara, illustratore e autore di storie a fumetti noto in tutto il mondo per il fascino sensuale delle sue tavole.

I 6 artisti, Francesco Cattani, Marino Neri, Paolo Parisi, Michele Petrucci, Alessandro Rak, Claudio Stassi, hanno concentrato la loro attenzione su tre luoghi, il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia a Roma, la Necropoli ed Museo di Cerveteri e la Necropoli ed il Museo di Tarquinia.

Gli autori invitati, due per ogni sede scelta, si sono immersi per una settimana, fisicamente e metaforicamente, nella cultura e nei luoghi dell'Etruria; il periodo di residenza e lo studio delle sedi hanno suscitato in loro la scintilla creativa per ideare fumetti inediti, ispirati dall'enorme bagaglio storico e culturale col quale sono stati in contatto.
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Leonor Fini, l'italienne de Paris

nospam@example.com (Fiamma) — Tue, 28 Jul 2009 08:40:45 +0200

Leonor Fini con Anna Magnani

Il Museo Revoltella a Trieste ospiterà fino ad ottobre la mostra: “Leonor Fini, l'italienne de Paris”.

Una mostra dedicata alla pittrice surrealista che, morta nel 1996, riesce ancor oggi ad irretire e a scandalizzare per la sua vita estrema.
Abituati a distinguere l'opera dalla vita, per molti autori piatta e insignificante se confrontata con la produzione artistica, di fronte a Leonor Fini il quadro, è il caso di dirlo, è assolutamente ribaltato.

Anzi, molto spesso la sua vita dissipata riesce ad offuscare immeritatamente la pregevole produzione artistica.

Leonor nasce a Buenos Aires da una madre triestina, appartenente alla borghesia mitteleuropea, che lascia marito e argentina quando Leonor ha meno di un anno.

Raggiunta di nuovo Trieste, la madre Malvina traveste la piccola Leonor da maschio fino all'età di 5 anni per impedire il suo riconoscimento e stroncare i tentati rapimenti messi a punto dal padre che vuole sottrarle la figlia.

Anna Magnani in un bozzetto per una rivista dell'epoca

Intanto Leonor, vestita da maschio, passa i suoi pomeriggi all'obitorio dove rimane incantata di fronte ai sontuosi vestiti fatti indossare ai morti.

Leonor ha 17 anni quando si trasferisce a Milano; poi è la volta di Roma e infine raggiunge Parigi.Qui conosce molti artisti, il più delle volte sono conoscenze in senso biblico, che diventano i suoi ammiratori: Paul Eluard, Cartier-Bresson, Picasso, Salvator Dalì, Jean Cocteu, solo per citarne alcuni.

Di lei si dice che, pur amando i gatti, ne aveva tantisismi, scegliesse invece come la Maga Circe, “uomini – cane”, uomini che lei addomesticava rendendoli devoti , servizievoli e soprattutto sempre adoranti.

Si vestiva sempre in modo originale, gli occhi truccati di nero.

Era una donna libera che aveva ereditato dalla madre il concetto di determinazione e anticonformismo.
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